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绝假纯真：静观黄维珊瓷艺心相

来源：宜家居家装网时间：2020年01月02日 13:58

2019年12月28日，佛山图书馆二楼，为期10天的国画陶瓷艺术作品展“静观·心相”在这里展出。

身穿一件靛蓝色绣花牛仔外套，配金色花纹黑打底裤，脚蹬白色球鞋的黄维珊，看上去很随性，更像是一个来参观展出的活泼开朗的普通女孩，但其实她是一个获过多次重量级陶瓷艺术创作金奖的陶瓷艺术家，也是“静观·心相”国画陶瓷艺术作品展的两位艺术家之一。

70后出生的黄维珊，满含笑意，眼神里有着灵动的光，看上去仍一派天真，不失童心。有前来观展的艺术家，第一次看到黄维珊的作品，就觉得能从其中看出作者的一片童心，和生活的幸福感。

明代思想家李贽《童心说》有言：“夫童心者，绝假纯真，最初一念之本心也。若失却童心，便失却真心；失却真心，便失却真人。”正是秉承这份“最初一念之本心”，使她的艺术创作更为纯粹，没有商业气息和功利之心，只是追随内心深处的渴望，以本我之态面对世间繁芜，这是她的艺术态度，也是她的生活态度。

和黄维珊一同展出作品的，还有画家张伟，也是她多年一起创作的朋友，他在《静观·心相》展的前言对其评价道：“（黄维珊）瓷艺风格一派平淡天真，尤喜花鸟鱼虫，稚趣妙生，近年专事钻研青花釉里红瓷与柴烧结合二次成器，鬼斧神工浑然天成，别开朦胧诗意之生面，实属难得之佳器妙品。”

出生于陶瓷圣地，拿起教鞭当过老师，相夫教子做过家庭主妇，如今再投身陶瓷艺术创作，黄维珊从没想过要过一成不变的生活，而是在不断追求生活的真善美，追求更真实的自我表达，活成自己喜欢的样子。这就像她创作的柴烧青花釉里红一样，在极致的美感中寻找不确定性，哪怕要失败很多次，才能得到一件孤品。

丹枫迎秋

青花釉里红

悠游自得

釉里红瓷瓶

从厨房“出走”的陶瓷艺术家

有两座城市，是黄维珊有着特殊情感的地方。一座是千古瓷都景德镇，那是她的出生地；一座是“石湾瓦、甲天下”的南国陶都佛山，这是她安家扎根的地方。

黄维珊出生于一个与陶瓷渊源颇深的家庭，其父母是景德镇陶瓷大学（原景德镇陶瓷学院，简称“陶院”）教授，自小在陶院长大，又考入陶院学陶瓷艺术设计。在她的成长经历中，目之所见，耳之所闻，心之所感，亲朋师友之间契阔谈宴，几乎都与陶瓷有着千丝万缕的联系。在这种环境中成长起来的黄维珊，其骨子里已深深地植入了陶瓷文化的根系。

大学毕业之后，黄维珊来到佛山，在佛山市南海技师学院当了一名老师。初来乍到，朋友还不多，只有一个朋友在佛山群众艺术馆工作，于是她就经常去佛山群众艺术馆画画，或者与朋友外出写生，有时间就全国各地跑，钻到人烟稀少的深山里面，在自然环境中感受山水之间的意境。写生体会所见所感，黄维珊就将之泼洒到瓷艺创作上。不过因为工作的原故，她也没有太多时间投入到陶瓷艺术创作中去。

2010年，家中老人生病，黄维珊辞去工作，回归家庭，尽心尽力地照顾家人。“她热爱生活，爱做吃的，喜欢带孩子，两个孩子照顾很好，持家也持得很好。她爸妈生病的时候，每天都去送汤，直到把他们老去，把他们送走。” 在她的家人眼里，黄维珊是一个孝顺老人、喜欢小孩、很会持家的人。

回归家庭后的黄维珊，从一般人的生活轨迹来看，大多会成为一个精致的家庭主妇，每日优游于化妆品、包包、健身、美容之间。不过陶瓷艺术这最初一念之本心，使她不甘于这样的生活。在送走两位老人后，2013年黄维珊又全心投入到陶瓷艺术创作中来。

“她每次去景德镇一待就是十天半个月，从早到晚也不出工作室之门，吃饭就叫外卖，晚上总是要干到十一、二点。”家人动情地说，她是放不下心里的那一点执念。

其实生活中很多女人在结婚生子之后，早已消褪了激情，遣散了梦想，要么作为一个家庭主妇在家相夫教子，要么重回职场被当做男人一样锤炼敲打。就像王小波在黄金时代里所说的那样，“生活就是个缓慢受锤的过程，人一天天老下去，奢望也一天天消逝，最后变得像挨了锤的牛一样。”如果还存有梦想，想逃离厨房走向艺术厅堂，其背后要么经历世间万般艰难才能打破家庭与体制的藩篱，要么有着非常优渥的家庭为其遮风挡雨。

很幸运的是，从厨房“出走”的黄维珊属于后者。学陶瓷艺术设计的她，并没有囿于昼夜、厨房与爱，内心仍有山川湖海，勇敢地走出了一条属于自己的艺术之路。不过，在黄维珊追梦的路上，优越的家庭环境和全家人的支持，是她进行艺术创作的全部底气。

“我的前提也是先把家庭家顿好，要把两个小孩照顾好，小孩一个才三岁，一个才十三岁，我一走就十天半个月，所以家人对我的支持还是蛮大的。”黄维珊特别感激的是她在华南理工大学任教的二姐，基本上没课的时候，就回来帮她照顾两个孩子，让她很放心地去搞创作。

青花釉里红与柴烧结合的独特艺术之路

“这是我第一次系列地展出自己的瓷艺作品，以前都是少量作品拿去跟别人一起展，可能只有两三件，三四件的样子。”此次《静观·心相》陶瓷艺术展，黄维珊主要展出了其创作的釉里红瓷、青花釉里红瓷以及柴烧青花釉里红瓷、柴烧颜色釉陶器、瓷板画等几类作品，其中包括《枫林尽染》山水系列（青花釉里红瓷）、《飞天》瓷盘、（柴烧青花釉里红瓷）、《斑斓》（柴烧颜色釉陶器）、《嬉戏》（青花釉里红）等几十件前作品。为准备本次艺术展，黄维珊特意在景德镇为展烧了一批新的作品，只是尚未出窑，甚是遗憾。

“青花釉里红烧出来的效果红中带绿，是最好的，这就是秋天的感觉，秋天很荒凉，枫叶红了，山上掩映着一点点绿色。”在谈及作品《枫林尽染》山水系列时，黄维珊像是谈及自己的孩子。为了表达秋天的色彩，《枫林尽染》采用的是传统的青花釉里红釉下彩装饰技术。虽然只有两种色料，但作品烧制出来的效果，有很多种色彩，有红，有粉红，有绿，有灰。为了让线条显得刚劲有力，黄维珊先在坯胎上刻线条，再填色，同时采用了一些瓷板画的效果。

和传统的景德镇瓷器山水画不同的是，黄维珊的瓷器山水画更具有现代感，更适合年轻人的审美，这得从她的师承说起。黄维珊小时候最初学画，拜中国陶瓷设计艺术大师柯和根为启蒙老师，成为其弟子。柯和根当时在景德镇学院任教，他是景德镇高温色釉大件作品创作开创者，也是一位极具有现代艺术观念的艺术家。

“柯和根老师开创了景德镇陶瓷综合装饰设计的先河，因为景镇德之前的陶瓷艺术设计，都是传统的山水、粉彩，他运用了很多种技法来做综合装饰，如版画、国画等技法综合起来，我一直跟他学画，受他的影响还是蛮大的。”黄维珊表示。

最能体现黄维珊艺术创作独特性的，还是柴烧青花釉里红瓷系列，这是她将气烧好的瓷器再二次加工进行柴烧，柴烧之后，质感更好，更通透，更温润，光泽更柔和，有朦胧的美感，而且线条和蕴染效果，像是深入其骨髓的，与器达到一体化的效果，没有明显的边界感。如她的柴烧青花釉里红瓷艺作品，一道宛若美人鱼般的人影，遨游在朦胧的天空中，蕴染开来的青花如游云环绕，其中透出一抹若有若无的红霞。这些蕴染开来的效果，非人的笔力可及。

青花釉里红工艺创烧于600多年前，元代的中末期。青花是以钴为发色剂，而釉里红是以铜为发色剂，在高温下烧成。但釉里红对窑室中气氛有着非常严格的要求：铜在还原焰气氛中呈现红色，而在氧化焰气氛中会发绿。因此，如果要达到红中带绿的效果，需要在弱氧化与弱还原中转换才能烧成。

古代使用的是柴烧，囿于技术难以控制窑室气氛，烧成难度很大，一件完美的青花釉里红，虽为人作，宛若天开，可以说是“万里挑一”，因此十分珍贵。

如今，青花釉里红利用气烧技术，相对容易控制。但黄维珊不愿就此停步，她想将原本美伦美焕的气烧青花釉里红成瓷，叠加当代柴烧工艺，而且是直接用柴裸烧，这样柴烧的落灰效果与釉色窑变的效果，将会在确定性与不确定性的转换过程中，得到全新的创作效果。当青釉与木灰相遇，里面会产生结晶和开片，釉里红高温熔融后在流动过程中会产生不同色彩，如粉红色。青花也在变化，有朦胧晕散的感觉。这一系列的变化造成非常特殊的色彩肌理和纹案，这是她独创的，也是工艺上的突破。

“柴烧最大的看点就是增加了不确定性，很多效果是意想不到的，但成功率也非常低，十之八九，整个瓷器就毁了，有可能一窑里面，一个成品都没有。”黄维珊对于柴烧，虽然知道大概烧出来后整体的感觉，但局部的效果仍充满着变数，因为柴烧的温度和气氛不可控，完全仰仗老天爷的脸色。而且柴烧非常耗精力，烧三天三夜，需要人工不间断地投柴进去。

因此，这种艺术创作与工艺创新相结合，进行破与立的尝试十分大胆，十之八九会烧坏，而且每一只成本也不便宜。有人开玩笑地说道，柴烧就是烧钱。但正是因为这种不确定性带来的意外惊喜，让黄维珊愿意去尝试。

另外，因为对景德镇和佛山两地特殊的情感，以及受两地陶瓷文化的影响，黄维珊就想将两地的陶与瓷两种文化结合起来，尝试用佛山石湾制陶的泥料、釉料以及发色剂玻璃绿、石湾红，融合景德镇的刻坯技法，和高温烧成的工艺，形成了一种非常独特的具有金属质感的柴烧颜色釉陶器，它表面看上去像陶器，但已达到了瓷化的质地，而且石湾红能发出均窑的釉面效果。高温柴烧颜色釉陶器的烧制也相当困难，如果泥坯的承受力不行，就会烧坏掉了。

正是这种不断尝试突破和创新的精神，经过八年时间的探索后，黄维珊在陶瓷设计艺术上，走出了一条独特的属于自己的艺术之路，并多次在各类艺术博览会上获得大奖。

婀娜多姿

柴烧青花釉里红

花非花

柴烧青花釉里红

一朵“天山上的雪莲”

王国维在《人间词话》中说道，“诗人必有轻视外物之意，故能以奴仆命风月。又必有重视外物之意，故能与花鸟共忧乐。”轻视外物，是不受其影响和摆布，可以随我遣用。重视外物，是因一风一月一花一鸟都有情绪，可以与人相通。

黄维珊同样也是如此，以心役物，而不以物役心。黄维珊觉得自己很幸运，并不需要考虑市场的因素，也不需要考虑别人的因素，会有多少人喜欢或不喜欢，更不太需要去看别人的脸色去做，只是按照自己的喜好。不需要过多约束，可以天马行空，黄维珊很享受这样的创作状态。

“很安静的时候，我就坐在那里，就画一只鸟，甚至只画一片叶子。而当心情激动兴奋的时候，我就画得花哨一点，布满一点，更浓烈一点。一切都随心而转，随性而为。”黄维珊说，创作的过程，更多地是一种心境与情绪的照见，因此，静观其作品，便能察其心相。

黄维珊追求的是一种介于似于不似之间的感觉，给人以想象的空间，每个人都可以用任何语言去描述，但却又似乎不能描述得极为准确。就像她烧制的一个像花又得不像花的花瓶，有人说像天鹅，但她女儿说像把伞，“妈妈，你把伞放倒了。”

很多人初看黄维珊的作品，可能第一感觉就是稚拙，但黄维珊并不在意别人怎么看她的作品，自己的风格是在创作过程中慢慢形成的，并不是每个人都会喜欢，有缘喜欢的可以多聊一些，没缘的也无所谓。

如果要给黄维珊的艺术创作定上一个风格，可能更接近于20世纪法国的原始画派，该派也称为稚拙派，他们受柏格森“直觉论”的影响，追求原始艺术的那种自然天成的表现形式，努力表达直接的朴素的印象，无视古典艺术的传统和一切造型技术的训练，主张艺术创作应返回原始艺术的风格中去，除了自然，别无老师。其代表人物亨利·卢梭，则是在艺术世界里天真了一辈子。

黄维珊画的花鸟和人物，都是以极为简单的线条，勾勒出或夸张、或变形的形似体。特别是她的人物刻画，往往都是线条勾勒，以极为夸张的手法突出人体的某一些部位，而对其它部位加以变形，忘记光影，忘记颜色，忘记形状，只是追求线条的自由。如她画的女性人物，大都是一颗没有五官而缩小的头，顶着爆炸式的长发在风中零乱飘舞，而男性则以线条勾勒轮廓显示出肌肉的力量。